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Aug 20, 2023

Las 100 mejores canciones pop coreanas de todos los tiempos

Por Rolling Stone El nacimiento del K-pop moderno a menudo se remonta a 1992, cuando Seo Taiji and Boys, un trío orientado al baile liderado por un ex metalero, interpretó su canción “I Know” en la cadena surcoreana MBC.

Por piedra rodante

El nacimiento del K-pop moderno a menudo se remonta a 1992, cuando Seo Taiji and Boys, un trío orientado al baile liderado por un ex metalero, interpretó su canción “I Know” en la cadena surcoreana MBC. No sólo la mezcla original del grupo de melodías de baladas coreanas con New Jack Swing, rap y música dance conmocionó al público en general, sino que su baile y su estética, fuertemente inspirados en las tendencias afroamericanas de la época, atrajeron a una generación de jóvenes ansiosos por abrazar la cultura occidental contemporánea.

Así nació una industria multimillonaria, ahora adoptada globalmente a través de generaciones y culturas. El enorme éxito del K-pop todavía está impulsado predominantemente por el entusiasmo de los adolescentes y adultos jóvenes, devotos apasionados que buscan en sus ídolos pertenencia e inspiración. Aunque el K-pop combina audazmente géneros de todo el mundo (lo que provocó una buena cantidad de conversaciones sobre la ética de la apropiación), aún ha mantenido su espíritu distintivamente coreano. Es una cultura que valora lo colectivo, mira hacia la innovación y está muy en sintonía con las emociones, lo que da como resultado canciones y actuaciones de vanguardia que explotan de sentimiento, pero que son accesibles a una audiencia masiva.

Lo que realmente une a la industria ahora es su sistema de capacitación perfeccionado y su énfasis en la narración multimedia altamente conceptual. Esa industria ha dado origen a dos de los artistas más influyentes y más vendidos del mundo hoy en día, BTS y Blackpink, y sus poderosos sellos discográficos (como Hybe, SM y YG) han demostrado ser notablemente consistentes en la creación de nuevas estrellas. Sin embargo, a medida que más artistas de ciudadanía y ascendencia no coreana han surgido como estrellas del “K-pop” en los últimos años, la etiqueta está siendo cuestionada por algunos críticos y fanáticos que la ven como una herramienta para encasillar a los artistas y evitar que sean reconocidos a una escala más amplia. . Incluso el líder de BTS, RM, le dijo a Rolling Stone en su artículo de portada de mayo de 2021 que ve que el grupo existe fuera del K-pop: “Nuestro género es simplemente BTS”, dijo. "Ese debate [entre si BTS es K-pop o pop] es muy importante para la industria musical, pero no significa mucho para nosotros los miembros".

Mucho antes de estas estrellas Hallyu, muchos artistas locales allanaron el camino para la popularidad y el eclecticismo del K-pop. Nuestra lista de las 100 mejores canciones en la historia de la música pop coreana fue dirigida por la colaboradora de Rolling Stone, Michelle Hyun Kim, y elaborada por un panel de periodistas y críticos musicales, tanto con sede en Corea del Sur como en Estados Unidos, que han estado escribiendo sobre la música coreana. durante años. Después de una votación inicial y una serie de acalorados debates, llegamos a una lista que iba más allá de la definición estricta del K-pop como un negocio de creación de éxitos para contar la historia más amplia de la música popular coreana.

La primera entrada en la lista se remonta a la década de 1920, una época en la que las grabaciones capturaban a artistas florecientes que vivían bajo la ocupación japonesa cantando letras coreanas además de canciones de Europa o Japón. A partir de ahí, la lista destaca a los artistas de todo el siglo XX que fueron los “ídolos” de su época, e hicieron himnos populares de protesta, baladas de duelo y cambio, así como trote, una forma de música popular coreana que se deriva de la música tradicional coreana. Enka japonesa y baladas americanas y europeas.

En otros lugares, hay experimentalistas pioneros y artistas independientes cuya temprana adopción del funk, pop, soul y rock ayudó a establecer una familiaridad generalizada con esos sonidos. Luego, la historia se pone al día con el K-pop propiamente dicho de los años noventa, mientras celebramos los éxitos más grandes e ingeniosos que fueron musicalmente innovadores o influyeron en cómo se comercializa y consume el K-pop.

Lo que sigue no es sólo la historia de la música popular coreana y cómo dio origen al negocio del K-pop, sino también cómo una pequeña nación peninsular aprendió a hacer arte frente al colonialismo y el cambio político, seleccionó sonidos de todos los rincones del mundo. mundo, y sigue esforzándose por encontrar nuevas formas de destilar los aspectos más puros y emocionantes de la experiencia humana en paquetes de cuatro minutos de revelación pop.

Escuche esta lista de reproducción en Spotify.

Después de ganar el programa de competencia de canto K-pop Star 2, AKMU (Akdong Musician) trajo una sensibilidad indie-pop a la corriente principal coreana con su debut en las listas de éxitos de 2014, Play. El álbum de estilos brillantes de guitarra acústica, ganchos dulces y composiciones extravagantes, cortesía de las coescrituras del miembro Chan-hyuk, fue encabezado por el sencillo "200%", una encantadora canción de amor adolescente que resume perfectamente las fortalezas del dúo de hermanos. La voz de Su-hyun es dulce y fresca, mientras canta sobre sonrojarse “como una fresa”, mientras que Chan-hyuk es a la vez tonto y sincero, recitando un divertido trabalenguas antes de cantar sobre “romance floreciente”. Con su ritmo maravilloso de trompetas de jazz, “200%” fue la alegre apertura de la singular interpretación del pop del grupo. —MHK

Décadas antes de que los ídolos del K-pop cortejaran al público internacional, las Hermanas Kim lo hicieron primero, mientras bailaban y tocaban sus propios instrumentos. Formadas por su madre, Lee Nan-young, durante la Guerra de Corea para entretener a las tropas estadounidenses, las hermanas Suk-ja y Ae-ja y su prima Min-ja cantaban en inglés, que memorizaban fonéticamente. A finales de la década de 1950, el trío realizaba conciertos en Estados Unidos y eran invitados habituales en The Ed Sullivan Show. Sus dulces armonías se destacan en su versión efervescente del clásico de rock & roll de los Coasters, “Charlie Brown”, un excelente ejemplo de por qué las hermanas Kim fueron las primeras coreanas en irrumpir en el mercado estadounidense. —JH.K.

VIXX comenzó su carrera en 2012 y rápidamente se hizo un nombre como una boy band excepcionalmente conceptual, y cada sencillo contenía una mini narrativa teatral. Con “Shangri-La”, combinaron el bajo del futuro con instrumentos y estética tradicionales coreanos, incluido el baile de fans, haciendo que esos gestos vuelvan a ser geniales en el K-pop. Debido a que renovó viejas piedras de toque culturales de una manera moderna, la canción ganó mucha atención antes de los Juegos Olímpicos de Invierno de Pyeongchang 2018, convirtiéndose en un símbolo de orgullo nacional. Ahora, no es raro ver a ídolos apartándose de lo tradicional para crear nuevas canciones de moda. —TH

TOMORROW X TOGETHER surgió por primera vez como la banda juvenil de BTS bajo Big Hit Entertainment (ahora HYBE), pero rápidamente encontraron su propia voz. Desde su debut en 2019, el quinteto ha ofrecido brillantes éxitos de dance-pop y trap-pop, al tiempo que ha demostrado que también pueden sobresalir con himnos grandes y de mal humor. Su sencillo de 2021 “0X1=Lovesong (I Know I Love You)” es un emo rock abrasador ideal: la ronca voz pop-punk de Taehyun en el tema animado “I! ¡Saber! ¡Es! ¡Real! ¡Puedo sentirlo!" El estribillo al final del pre-estribillo de la canción es digno del escenario principal del Warped Tour, mientras que la considerable producción es lo suficientemente grande como para llenar una arena. -EM

“Cherry Blossom Ending” del trío de K-indie rock Busker Busker conquistó las listas musicales de Corea desde su lanzamiento en 2012 y continúa en las listas nacionales cada primavera. La melodía alegre y alegre, acentuada por la dulce voz del líder Jang Beom-june, se escucha a menudo en las calles de Corea en marzo o abril, lo que le da el sobrenombre de "villancico de primavera" no oficial de Corea. Posteriormente, el éxito comercial del sencillo inspiró a muchos otros artistas coreanos a producir canciones similares sobre las estaciones. —RK

Zion.T se inició en las colaboraciones con raperos underground a principios de la década de 2010 y encontró su mayor éxito con “Yanghwa BRDG” de 2014, lo que lo convirtió en el primer cantante independiente de R&B de Corea en convertirse en una estrella. Sobre una cama de piano Rhodes de ensueño y cuerdas hinchadas, canta magistralmente sobre su infancia, cuando veía a su padre taxista ir a trabajar y tener que asumir la misma responsabilidad como adulto sustentador. Estas sinceras confesiones de piedad filial resonaron en el público coreano (algunos lo interpretaron como una historia de ideación suicida), y Zion.T allanó el camino para toda una escena de estilistas emotivos por venir. —MHK

Si se pudiera combinar el romance juvenil con su alegría y su entrañable torpeza, entonces “Shine”, el exitoso sencillo del grupo de chicos de tercera generación Pentagon, sería un producto que volaría de los estantes. Al alternar entre declaraciones directas y carraspeos vacilantes, estos hombres se confiesan como perdedores enamorados con el mayor dinamismo. Impulsada por un loop de piano fuera de lugar, la canción comenzó a escalar en las listas musicales coreanas a lo largo de 2018 debido a sus pegadizas melodías “na na na”, sus altísimas improvisaciones de R&B, sus aplausos y sus raps inexpresivos. Si bien la mayoría de las boy bands han optado por el drama y el descaro en los últimos años, “Shine” demuestra que el optimismo puede reinar. —TH

Según cuenta la historia, el movimiento folclórico de los años setenta de Corea del Sur nació en una casa de té llamada YWCA Green Frog. Allí, el compositor Yang Hee Eun conoció al cantante Kim Min Ki, un encuentro casual que se convirtió en una asociación creativa legendaria. “Morning Dew” nació en ese contexto, una canción que ha resonado en estruendosos coros en las protestas en Corea a lo largo de las últimas cinco décadas, desde el movimiento democrático de los años ochenta hasta la lucha actual por la accesibilidad en el sistema de transporte público de Seúl. La canción, cuya mención de un cementerio se ha asociado con el martirio revolucionario, fue prohibida en 1975 por la dictadura de Park Chung-Hee antes de convertirse en un elemento básico del cancionero progresista de los años ochenta. —JG

Con las numerosas controversias que ha acumulado, Jay Park se ha ganado su estatus como el enamorado del R&B del K-pop. Sin embargo, el ex miembro de 2PM de Seattle se ganó al público coreano y a una audiencia global con sus álbumes en solitario, lanzados a lo largo de la década de 2010, que capturaron su encanto sexy, pero sorprendentemente dulce, de “niño asiático” coreano-estadounidense. Dirigido por el productor de K-hip-hop Cha Cha Malone, “All I Wanna Do” muestra el atractivo de Park con un gancho que pide al oyente que simplemente lo patee, equilibrado por la energía femenina esencial del gran Hoody del R&B. Sigue siendo uno de los éxitos más reconocibles de Park, el sencillo en deuda con DJ Mustard ayudó a popularizar el sonido helado R'n'Bass en Corea. —CL

Con su exitoso éxito “Me Gustas Tu”, GFriend hizo que el corazón del público coreano se acelerara. El gusano del synth-pop explota con riffs de guitarra eléctrica, cuerdas vibrantes y un ritmo inspirado en New Jack Swing, mientras las voces de los seis miembros confiesan su amor con los ojos muy abiertos con ligereza e intensidad. El éxito de la canción solidificó su enérgica marca de “poder inocente”. Su espíritu resiliente se mostró en un momento viral de 2015: interpretando “Me Gustas Tu” bajo la lluvia, los miembros de GFriend seguían levantándose después de resbalarse repetidamente en el escenario. Es un testimonio de la tenacidad que han demostrado a lo largo de una carrera de éxitos refrescantes y dulces. —TH

Con el estilo del swing y la música country estadounidenses, el megaéxito de Han Myung-sook de 1961, “El niño de la camisa amarilla”, cautivó a la nación porque era muy diferente de las populares canciones de trote melancólico de la época. La melodía refrescante y animada hizo que las camisetas amarillas volaran de los estantes e inspiró una película de gran éxito con un nombre similar. Su popularidad incluso se extendió al sudeste asiático y Japón, donde Han viajó para actuar como la primera estrella Hallyu de Corea. Luego fue versionada por artistas extranjeros en los años sesenta y setenta, incluida la famosa cantante francesa Yvette Giraud y el ícono japonés Michiko Hamamura, lo que lo convirtió en un éxito internacional duradero. —RK

En 2020, Aespa se convirtió en el primer grupo de K-pop con sus propios avatares de IA, es decir, el cuarteto es en realidad un octeto, con la mitad de su formación compuesta por artistas digitales “ae”. Toda esa ambición llega a un punto crítico en “Next Level”, un adictivo éxito pop de ciencia ficción que es ejemplar de una industria que siempre busca expandir el rendimiento a través de la narración transmedia. Una nueva versión de una cara B de la banda sonora de Fast & Furious: Hobbs & Shaw de 2019, el bajo tembloroso de la pista es el telón de fondo para los raps con ojos acerados de Aespa sobre cómo enfrentarse a un villano llamado Black Mamba y dirigirse a una tierra imaginada llamada Kwangya. Marcó el tono para el grupo singular y una industria musical que mira hacia el futuro. -EM

Cuando 1TYM lanzó su sencillo debut homónimo en 1998, el grupo de rap de cuatro miembros encontró inspiración en la hábil producción de Dr. Dre en la costa oeste, probablemente un subproducto de la crianza del líder, productor y letrista Teddy Park en un suburbio de Los Ángeles. Esas ideas alcanzaron un pico creativo en “Hot” de 2003, un tema fanfarrón y fanfarrón con sintetizadores que canalizan la picardía de Eminem. Despreocupado y engreído, el coro adopta la cadencia tartamuda de las imitaciones de scratch de un disco de beatboxer y alterna entre versiones del título en coreano e inglés. En esta destilación del lenguaje en ritmo y textura puros, “Hot” se convierte en el raro ejemplo de una “canción gancho” de un rapero. Es un gusano inimitable. —JMK

Antes de que Mamamoo debutara en 2014, la idea de un grupo de chicas de K-pop que se basara en sonidos maduros como el swing, el R&B arraigado y el soul parecía fuera de lo común. Con “Décalcomanie”, los cuatro miembros cambiaron estas expectativas. El coro gigante de la canción presenta enormes armonías vocales que fusionan la perfección con la percusión de jazz. Es una canción histórica y profética que golpea con el descaro de un espectáculo burlesco, completo con un desvío de rap del miembro del grupo Moonbyul. Como canta Wheein en el segundo verso: "La intuición de una mujer es realmente rápida". -EM

Después de haber tenido un impacto como el niño prodigio del grupo de chicos con visión de futuro SHINee, Taemin abrió las puertas a la expresión andrógina en el K-pop con su sencillo solista de 2017, “Move”. Combinando sintetizadores New Wave de los años ochenta con sensuales melodías de R&B, la vibrante pista captura la dinámica cambiante entre amantes. “Tus gestos elegantes/tu mirada sutil”, canta en un susurro, generando una sensación de enigmática seducción. Estas frases fueron compuestas por movimientos del coreógrafo Koharu Sugawara que son igualmente fluidos; Taemin dijo que su intención era “[mezclar] movimientos femeninos y masculinos juntos”. Aunque la canción no fue un éxito comercial, su coreografía sin género se convirtió en una sensación entre ídolos y bailarines, y sigue siendo icónica por su representación alternativa de la sexualidad. —MHK

Nacida en la escena del rock underground que se desarrolló en el área de Hongdae de Seúl a finales de los años noventa, la banda de rock Cherry Filter se lanzó al estrellato con el valiente pop-punk de su segundo álbum de 2002, Made in Korea? La líder Cho Youjeen destacó el acto con su gruñido áspero, que se muestra plenamente en “Sweet Little Kitty”, un sonido abrasador que combina riffs punk con melodías pop altísimas. Con sus álbumes posteriores, publicados a lo largo de la década de 2000, la banda hizo incursiones en la jungla (“Another Blood of Witch”), el techno (“Come to Me”) y el rap-rock (“Hawaiian Blues”), demostrando su valía. ser un grupo intrépido que podría mantenerse al día. —JG

¿La mejor evidencia de que Stray Kids es uno de los líderes mundiales del K-pop de cuarta generación? “God's Menu”, la visión perfeccionada de su ruidoso y explosivo trap-pop. La canción comienza con un verso muy duro de Changbin, quien junto con Bang Chan y Han forman la subunidad de escritura y producción del grupo de chicos, 3RACHA. A partir de ahí, la bravuconería eléctrica de la banda es amplificada por el mejor barítono del negocio, Felix, mientras canta “Cookin' like a chef/I'm a five-star Michelin” con el mismo peso que un cantante de goth-punk de los ochenta. . Con “God's Menu”, Stray Kids toma el concepto de chico malo y lo enciende. -EM

En la historia de Corea del Sur, 1988 fue un año fundamental: el movimiento de democratización de los años ochenta culminó con el fin del régimen autoritario y el país fue sede de los Juegos Olímpicos por primera vez. Caracterizando la efervescencia del período está la electrizante interpretación de Shin Hae-chul de “To You”, con su banda Muhangwedo, que ganó la edición de ese año del MBC College Music Festival, un concurso de canto de larga duración que lanzó muchas carreras de K-pop. La canción lo tiene todo: una grandiosa introducción de sintetizador, un solo de guitarra apasionado y pura energía juvenil, lo que le valió a Shin el título de “Rey Demonio”. Inició una amplia carrera que se sumergió en el rock espacial, el techno y la música cinematográfica, lo que lo convirtió en un pionero experimental de la música pop coreana. —JG

En entrevistas, la mayoría de los artistas coreanos de hip-hop de primera generación dicen que conocieron el género a través de las transmisiones de la Red de las Fuerzas Armadas de Estados Unidos en Corea. La estrella de R&B Yoonmirae encarna esa historia en su entorno familiar (nació de madre coreana y padre negro que sirvió en la USAF e interpretó melodías para AFN Korea) y su carrera musical. A finales de los noventa, ayudaría a popularizar el hip-hop en el K-pop en el grupo Uptown, y luego con su pareja romántica y creativa, Tiger JK, a través de su trío MFBTY. “Black Happiness” es un himno edificante para su origen birracial, que muestra tanto su rap como su canturreo meloso. —JG

Las niñas pueden maldecir, beber whisky y vestirse como quieran, declaró (G)I-DLE con “Tomboy”, el feroz éxito pop-punk que solidificó el estatus del quinteto como un grupo de chicas que se burla de las convenciones. Escrita por la líder Soyeon, una de las únicas ídolos femeninas que escribe y produce su propia música, la canción ruge con riffs de guitarra de rock alternativo y tambores contundentes. Mientras tanto, los miembros despiden descaradamente a sus ex y rechazan ser una "muñeca Barbie rubia", puntuados por efectos de sonido de censura. Que una canción con un puente que dice “Ni hombre ni mujer” pueda llegar al número uno en una Corea sexualmente conservadora es legendario en sí mismo. —MHK

Ningún grupo mostró mejor la inquietud creativa del underground coreano de los años 90 que Pippi Band. Nacido de la banda de rock H2O y surgido de los clubes de Hongdae, el trío era extremadamente difícil de precisar. Su himno más memorable, “Mr. Simpatico”, es una maravillosa canción New Wave completa con palmas, burlas en el patio de la escuela, zumbidos de sintetizadores y la característica voz infantil de Lee Yoon-jung. Es carnavalesco y descaradamente descarado, pero aun así deja espacio para un gancho pegajoso de palabras sin sentido. Demostrando su versatilidad, la banda puso la banda sonora a la obra maestra del cine independiente de 1997 de Jang Sun-woo, Timeless Bottomless Bad Movie, antes de que los miembros fueran pioneros en las escenas de arte pop y música dance del país a través de sus carreras en solitario. Puede que Pippi Band haya durado poco, pero sus excentricidades y ambiciones los hicieron incomparables. —JMK

LE SSERAFIM, que emerge como el primer grupo de chicas de HYBE en 2022, es un anagrama de “Soy valiente”. Después de su éxito debut “Fearless”, consolidaron su posición en la industria con su siguiente sencillo, “Antifragile”, un reggaetón bop coescrito por la cantante pop hondureña Isabella Lovestory, en el que el miembro Hong Eunchae hace una mala imitación de Rosalía. Un excelente ejemplo de cómo la estética maximalista del K-pop se basa constantemente en sonidos experimentales en todo el mundo, la canción fue una de las primeras en establecer la tendencia actual del perreo en el K-pop. -EM

"Bebé... estás... ¡perfecto!" Mark de GOT7 rapea, dando inicio al mayor éxito de su grupo: un éxito de EDM chic con una declaración de tesis empoderadora y una pizca de ventaja adicional de los versos de BamBam y Jackson. El escritor de la canción, el fundador de JYP Entertainment, JY Park, sabía cómo utilizar mejor las habilidades del grupo; no es de extrañar que algunos de sus miembros compongan y contribuyan con letras ellos mismos. “Just Right” son solo riffs de guitarra alegres, “ooo-hoos” edificantes y rupturas de rap que juntos demuestran cuánto te aman, niña. -EM

A mediados de la década de 2000, Cyworld, una de las primeras plataformas de redes sociales de Internet similar a MySpace, se volvió furor en Corea. Clazziquai, una banda de rock independiente que trajo el cosmopolitismo bossa nova de Shibuya a Seúl con su álbum debut, Instant Pig, proporcionó la música de fondo para muchas páginas de inicio. Combinando el futurismo de la música electrónica de baile con estilos acústicos realistas, el grupo se convirtió en el abanderado de K-shibuya-kei, la interpretación coreana del pop de Shibuya-kei con influencia dance y todo vale. Si bien temas como “My Life (Boom Remix)” combinaban ritmos inquietos de la jungla con voces lounge, fue la influencia house de “Sweety” la que reinó en el género. —JG

Habiéndose conocido en una iglesia en el condado de Los Ángeles, los miembros de Solid comenzaron a escribir canciones para la boy band taiwanesa estadounidense LA Boyz antes de formar su propio grupo y mudarse a Corea en 1993. Después de asociarse con el compositor de baladas Kim Hyeong-seok, se catapultaron a la fama. presentando a Corea al R&B contemporáneo. En su sencillo más conocido, “Holding on to the End of the Night”, canalizan a Boyz II Men, uniendo la melancolía coreana con sus distintivos acentos estadounidenses, que solo hacen que la emoción se sienta más potente. Tal anhelo resultó innegable y consolidó al grupo como los primeros coreano-estadounidenses en irrumpir en el mercado del pop coreano. —JMK

“Up & Down” es una canción construida con un doble sentido, que se vuelve aún más hilarante por cómo EXID parece estar involucrado en la broma. El grupo de chicas encontró su gran avance en el mainstream con este exitoso sencillo, que trata sobre los altibajos de una relación, acompañado de un baile muy sugerente en el que inclinan sus pelvis hacia adelante y hacia atrás. Dio origen a una infame fancam (video centrado en un individuo) de la miembro Hani que obtuvo más de 30 millones de visitas, lo que demuestra que los hombres cachondos tienen poder para determinar el éxito comercial de los grupos de chicas de K-pop. Pero la canción sigue siendo un clásico por méritos propios: sobre la ruidosa producción centrada en la trompeta de Shinsadong Tiger, las chicas son dulces y seductoras, mientras que la rapera Elly ofrece un contraste descarado con su entrega de agarrarte por las pelotas. —CL

Desde 2015, estos “ídolos bestias”, o artistas increíblemente sexys y en forma, han creado una discografía criminalmente subestimada de estridentes himnos dance-pop que incorporan a la perfección el hip-hop. En “Dramarama”, el éxito que le dio a Monsta X su primer trofeo en un programa musical, la alineación original de siete hombres muestra su lado divertido, recitando el título como un encantamiento hipnótico. Sobre una línea de bajo vibrante, ritmos funky y guitarras abrasadoras, el grupo lleva a los oyentes a un viaje salvaje coronado por los raps característicos de IM y Jooheon. —JH.K.

Después de grabar algunas de las primeras canciones de K-pop con ritmos de estilo latino, Baek Z Young se convirtió en la “Reina de la banda sonora original” u OST, la música fundamental que sirve de telón de fondo a los dramas coreanos. Una de sus canciones más populares, “That Woman”, del exitoso K-drama Secret Garden de 2010, es una balada perfecta. En él, Baek Z Young asume el papel de una mujer que simplemente pide ser amada: su voz sube y baja, mientras sus anhelantes emociones siguen su ejemplo. Desde entonces, su carrera se ha convertido en un modelo para que los ídolos del K-pop pasen a la forma OST, continuando sus carreras como cantantes más allá de sus días de grupo. —CL

Irrumpiendo en escena en 2015 con su estilo único de hip-hop bullicioso, iKon demostró ser un maestro del himno pop de ruptura con “Love Scenario”. Earworm del grupo masculino YG encabezó las listas coreanas durante seis semanas seguidas, convirtiéndola en la canción número uno de mayor duración en Corea hasta ese momento. Escrita y producida por el líder BI, la canción transmite sorprendentemente anhelo y gratitud a través del sencillo gancho: “Estábamos enamorados/Y eso fue suficiente”. Combinadas con un cencerro constante, sus melodías circulares eran lo suficientemente simples como para que las cantaran los niños de primaria (tan contagiosas, de hecho, que la canción fue prohibida en algunas aulas), mientras que los raperos Bobby y BI agregaron complejidad con sus conmovedores versos. —MHK

Como parte de la ola coreana de actos inspirados en el techno y el eurodance en los años noventa, Turbo se convirtió en estrellas de mayor éxito gracias a éxitos impulsados ​​por una sensación de pura locura y diversión. Originalmente un dúo de Kim Jong-kook y Kim Jung-nam (quien luego fue cambiado por el artista coreano-estadounidense Mikey), el acto trajo raps de alta velocidad, movimientos frenéticos de hip-hop y una pizca de atractivo romántico a sus actuaciones futuristas en el escenario. . Aunque no fue su sencillo con las listas más altas, “Black Cat Nero” de 1995, una nueva versión de una canción infantil italiana clásica, todavía es amado por su coreografía de orejas de gato, sonidos de campanas y melodía simple. Después de todo, el K-pop es un género al que le encantan las novedades. —MHK

Epik High se estableció en el underground del hip-hop coreano a lo largo de los primeros años, con sus canciones líricamente densas consideradas un obstáculo para la popularidad generalizada. Seis años después de su carrera, el trío lanzó el best seller Remapping the Human Soul, un álbum de 27 pistas que exploraba temas filosóficos y sociales, pero que se vio impulsado por sus sencillos principales que combinaban perfectamente EDM, pop y hip-hop. En uno de esos éxitos, “Love Love Love”, Epik High lleva al oyente a través de todas las etapas del amor, desde el feliz enamoramiento hasta una dolorosa ruptura. Capturar la química de los MC Tablo y Mithra Jin, mientras DJ Tukutz hace retroceder un disco como si fuera 1975, es un bop eterno. —JH.K.

Love and Peace introdujo el funk en Corea con su álbum debut de 1978, It's Been a Long Time, considerado como uno de los mejores álbumes que jamás haya salido del país. Escrita por la leyenda del folk-rock Lee Jang-hee, la canción principal combina a la perfección letras coreanas con una canción que es lo suficientemente divertida y funky como para dar vueltas en una pista de patinaje de los setenta junto a KC y Sunshine Band o Hot Chocolate. El resultado fue un clásico instantáneo que sorprendió al público coreano, convirtiéndose en uno de los mayores éxitos del momento y cosechando numerosos elogios para el grupo. Love and Peace, actualmente la banda más antigua del país, ayudó a abrir las puertas a la música popular coreana moderna. —RK

En su gran éxito de 2016, “Very Nice”, SEVENTEEN utiliza efectos de sonido de carnaval maximalistas (trompetas de circo, aplausos de la multitud e incluso ruidos aleatorios de sorbos) para expresar la emoción del amor joven. Con letras que ilustran un escenario de cita con dramatismo similar al de un teatro musical, la canción consolidó al acto de 13 miembros como líderes del dulce y alegre concepto de grupo de chicos, así como maestros de la interpretación que podían lograr su complejo, Michael Jackson- Coreografía inspirada. El himno de alto octanaje también demostró las habilidades para crear éxitos del miembro Woozi y del productor y compositor Bumzu, quienes han construido la mayor parte de la discografía de SEVENTEEN que los convirtió en los más vendidos a nivel mundial de la actualidad. —MHK

¿Cuándo una sesión de sollozo posterior a una ruptura es también un motivo para subir a la pista de baile? Cuando se trata de “Alone” de Sistar, el éxito número uno que estableció al grupo de chicas después de que causaron sensación con su debut en 2011. Elaborada por Brave Brothers (el compositor y productor que también hizo éxitos para After School, 4Minute y otros), la canción es un híbrido furtivo de house y R&B de principios de los noventa con un brillo de neón. Mientras los miembros enumeran las formas en que planean superar sus sentimientos, la catarsis llega en la determinación de ojos acerados que atraviesa sus exquisitas interpretaciones vocales. —MJ

Con su sonido que abarca todos los géneros y su innegable carisma, BIGBANG estuvo entre los primeros ídolos del hip-hop en abrirse paso en la corriente principal del K-pop y tocar en estadios estadounidenses. Su éxito de trap-EDM, “Bang Bang Bang”, el sencillo más vendido y más reproducido en Corea del Sur en 2015, tuvo un impacto inmediato desde su llegada, y grupos más nuevos todavía lo versionan siete años después. Es un estimulante instantáneo del estado de ánimo; solo sea testigo de la energía que los miembros Daesung y Taeyang canalizaron durante su icónica actuación en el servicio militar de 2018. Hoy en día, el grupo todavía es considerado como titanes de la industria cuyos miembros individuales aún pueden generar expectación con material en solitario. —KK

Fin.KL, uno de los grupos de chicas líderes de finales de los noventa y principios de los 2000, ayudó a sentar las bases de lo que se convertiría en una industria multimillonaria. Después de debutar con la balada lenta de R&B “Blue Rain”, Fin.KL dio un giro completo de 180 grados con “To My Boyfriend”, un sencillo con una melodía alegre y veraniega. Aunque los miembros inicialmente pensaron que la letra era ridícula (la primera línea dice: “Mírame y di que soy bonita”), era exactamente el tipo de canción de amor divertida y para sentirse bien que el público nacional buscaba de los ídolos en el tiempo. El éxito de la alegre melodía, junto con la linda imagen de las integrantes en el video musical, influyó en gran medida en el estilo y la estética visual de los grupos de chicas de K-pop posteriores. —RK

Pioneros de su propia variedad de punk coreano llamada “Chosun punk”, Crying Nut inspiró a generaciones de futuras bandas con su álbum debut de 1998, Speed ​​Up Losers, que vendió más de 100.000 copias ese año, en aquel entonces una hazaña inimaginable para un grupo underground. . La canción principal se desarrolla con acordes tintineantes y tambores alegres antes de lanzarse a un himno exhortativo sobre montar a caballo. Esas letras sin sentido se convertirían en su marca registrada en éxitos como “Luxembourg” de 2006 y “Pigeon” de 2009, lo que demuestra que lo absurdo y lo belicoso pueden cruzarse en la corriente dominante coreana. —JG

En la portada del segundo álbum de Park Mi Kyung, la frase “JUNGLE NEW STYLE” está estampada en mayúsculas. La cantante respaldó esta audaz afirmación abriendo el exitoso sencillo del LP, “Eve's Warning”, con grabaciones de la naturaleza y un ritmo frenético. Aunque el himno de baile (elaborado por Chun Sung-il de la antigua banda masculina NOISE y el productor Kim Woo-jin) es un poco chicle, está subrayado por una tristeza preocupante: Park se lamenta de su compañero infiel, pero suplica por su amor antes de caer en la ilusión. Mientras interpreta su voz con decoro, acompañada por los estúpidos raps de Kang Won-rae de Clon, está claro que “Eve's Warning” entiende la pista de baile como un lugar de flujo musical y emocional. —JMK

Mientras Occidente estaba obsesionado con bandas de chicos como 'NSync y los Backstreet Boys a principios de siglo, Dios (Groove Over Dose) se estaba estableciendo como una de las mayores sensaciones del pop adolescente en Corea. “To Mother”, una conmovedora balada de R&B, tiene una narrativa progresiva: la banda de chicos canta desde la perspectiva de un niño que admira a su madre viuda y la defiende del vitriolo social. (En Corea del Sur, como en muchas partes del mundo, las madres solteras y las viudas enfrentan discriminación). Su producción minimalista de palmas, sintetizadores, tambores y golpes de platillos llama la atención sobre los relajados versos de rap, las armonías almibaradas y el vocalista del grupo. El vibrato emotivo de Taewoo. -EM

La leyenda del trot Lee Mija ha conseguido múltiples éxitos a lo largo de las décadas, pero su avance de 1964, “Camellia Girl”, sigue siendo su canción más conocida. El tema de una película del mismo nombre, la triste canción, encabezó las listas musicales de Corea durante 35 semanas consecutivas sin precedentes y vendió más de 100.000 discos, una hazaña inaudita en ese momento. Trot había comenzado a perder equilibrio desde que “The Boy in the Yellow Shirt” de Han Myung-sook dio a los coreanos una muestra del pop americanizado, pero “Camellia Girl” por sí sola revivió el género. Su éxito comercial fue un indicador fundamental de que el mercado musical nacional coreano podía prosperar. —RK

Entre 2010 y 2016, Orange Caramel, una rama del grupo de chicas After School con la marca "cultura del caramelo", subió de nivel el kitsch en el K-pop. Su mejor número de baile peculiar fue “Catallena”, un himno lleno de energía sobre una mujer hechizante, con un video musical listo para memes que muestra al trío como sirenas convertidas en sushi. La canción festiva de música disco y alta NRG es un torbellino de sonidos: una muestra de folk punjabi se combina con sintetizadores de sirena, campanas centelleantes, cuerdas alegres y ritmos de jazz. Sus exclamaciones cómicas en medio de versos coquetos y bicuriosos son la guinda de este sencillo deliciosamente exuberante, lo que lo convierte en un bombón pop perfecto. —TH

Inmediatamente después de su bullicioso sencillo debut de 2016, “Fire Truck”, y luego del pop decididamente vanguardista de “Limitless” de 2017, NCT 127 encontró su punto ideal musical con “Cherry Bomb”. La exploración de la música noise por parte del siempre experimental grupo a lo largo de su carrera se ha basado en la capacidad de mezclar y combinar sonidos que no deberían funcionar pero que de alguna manera funcionan. Aquí, el kitsch de canciones infantiles se mezcla con gemidos de bajos deformados, mientras un desfile de efectos electrónicos choca con raps y cánticos sobredigitalizados. En medio de todo esto, el grupo también ofrece baladas R&B seductoras y de otro mundo. Cuando se trata de hacer K-pop en su forma más ambiciosa y exploratoria, “Cherry Bomb” es una obra maestra. —TH

Iniciado por Lee Juno de Seo Taiji and Boys, Young Turks Club fue uno de los grupos mixtos más emocionantes de la década de 1990, atravesando hábilmente géneros con cada canción y cambio de formación. Su sencillo más popular, “Affection”, sigue siendo un éxito duradero por una buena razón. Escrita por Yoon Il-sang, quien ayudó a definir el K-pop de los 90 con temas de Turbo, Goofy, Cool y más, la canción llevó el dolor y la sensibilidad del trot a una nueva era. Presenta raps que suenan paranoicos en medio de melodías de sintetizador de mal humor, y confesiones con el corazón roto acompañan ritmos repetidos. Pocos sencillos de la época unieron generaciones de ideas musicales con tanta facilidad. —JMK

La historia de la música popular coreana se remonta a principios del siglo XX, cuando se cantaban letras coreanas sobre canciones importadas de Europa y Japón. Si bien estas piezas al principio contenían lecciones moralizantes, luego tocaron temas de la naturaleza, el amor y el vacío. "Hymn of Death" de Yun Sim-deok sigue siendo la canción más popular y perdurable de esta época, en gran parte debido a la historia frecuentemente contada sobre la muerte del cantante por suicidio junto a su amante Kim Woo-jin. Grabada en Japón y adaptando una melodía de “Waves of the Danube” del compositor rumano Ion Ivanovici, en la canción Yun cuestiona la inutilidad de la vida, lamentándose de este “mundo de lágrimas”. “Hymn of Death” es un resumen temprano de cómo sería la música coreana durante el siglo siguiente: captura la angustia de los coreanos en medio del dominio y la ocupación colonial, y cómo los artistas persistieron en crear canciones distintivamente coreanas mientras navegaban por sonidos internacionales. —JMK

El dúo Pearl Sisters, uno de los primeros grupos de chicas de Corea, arrasó en el país con su álbum debut de 1968, que incluía su éxito más icónico, “One Cup of Coffee”. La canción experimental fue escrita e interpretada originalmente por la leyenda del rock coreano Shin Joong-hyun (quien también produjo todo el álbum), pero es su versión la que los coreanos reconocen inmediatamente hasta el día de hoy. Riffs de guitarra psicodélicos y ritmos constantes de batería proporcionan un telón de fondo rítmico tenso mientras las hermanas Bae cantan frustradas: "Pedí una taza de café/Estoy esperando que vengas". La sencilla y pegadiza melodía las llevó a convertirse en el primer grupo de chicas en recibir los máximos honores en una ceremonia de premios de música coreana. —RK

En los años noventa, DJ Doc fue esencial para el desarrollo del hip-hop coreano, y frecuentemente luchó contra las prohibiciones de transmisión al aire por denunciar la injusticia social y la censura en la industria del entretenimiento. Aún activo hoy en día, el trío definió el sonido de la era Y2K con sus himnos de fiesta funky, especialmente el sampleo de Boney M. “Run to You”. En parte llamada de amor eufemística, en parte réplica rápida de rap, “Run to You” se ha convertido en un éxito atemporal, icónico por su exitoso “Bounce! ¡Rebotar! ¡Bounce!“ sección de agradecimiento: se ha convertido en imprescindible en el karaoke de noraebang. —TH

Yoo Jae-ha, un músico de formación clásica que escribió y arregló sus propias canciones, consolidó su legado como el "padre de las baladas coreanas" con su único álbum de estudio, Porque te amo, lanzado meses antes de su muerte a los 25 años. Inicialmente no fue acogido por los críticos porque su uso de melodías contrapuntísticas se consideró demasiado poco convencional para la radio, la canción principal del LP estableció un nuevo estándar sobre cómo podían sonar las baladas. Con una voz seductora y franca, Yoo ofrece letras melancólicas y enamoradas, acompañadas de hilos lujosos que añaden credibilidad a su sinceridad. —JH.K.

Desde principios hasta mediados de la década de 1990, Roo'Ra, junto con sus compañeros Kim Gun Mo y Two Two, definieron una era fundamental del K-pop influenciado por el reggae. Mientras que el mayor logro del grupo “3!4!” está menos en deuda con el género que otros éxitos, el excéntrico rap de Lee Sang-min puede verse como una consecuencia del brindis jamaicano. En otra parte de la canción de fiesta veraniega, el grupo canta sobre la celebración de la vida, y su gancho de “la la las” encantada suena como si estuvieran manifestando buena suerte. El himno ha llegado a representar los primeros pasos del K-pop para experimentar con sonidos pop globales fuera de Estados Unidos o Europa. —JMK

En los primeros dos años de su carrera, BTS hizo música hip-hop rebelde y angustiada dedicada a personas que se sentían asfixiadas por las expectativas sociales. Pero al volverse más vulnerable en su éxito impecablemente compuesto “I Need U”, el septeto consiguió su primera victoria en un programa musical de Corea del Sur. La canción los ve alternando entre la esperanza y la desesperanza mientras Suga declara en la introducción: "Gracias a ti, estoy roto", seguido rápidamente por sus compañeros de banda: "Te necesito niña/Eres tan hermosa". Después de que los versos se construyen con la desesperación del amor unilateral, la canción explota en un coro de baile trascendente. Sus suaves instrumentos de viento sintetizados convencen casi cruelmente a los oyentes de que todo estará bien. Pero BTS lo sabe mejor. —JH.K.

El mejor momento del septeto Infinite, “The Chaser”, es un recordatorio de que en su apogeo, el amor debe ser febril e impresionante. El equipo de producción Sweetune, que creó los sencillos anteriores de Infinite, dispara a toda máquina, tomando el brío del estilo libre y combinándolo con el maximalista hi-NRG de Stock Aitken Waterman. Los sintetizadores de trance a todo volumen se entrelazan con guitarras que maniobran entre la música disco y el pastiche de power-metal. El septeto combina esta intensidad con un canto apasionado, persiguiendo el amor como si fueran superhéroes salvando el mundo. —JMK

Colaboradores: Michelle Hyun Kim, Regina Kim, Kristine Kwak, Maria Sherman, Maura Johnston, Joshua Minsoo Kim, James Gui, Tamar Herman, Jae-Ha Kim, Crystal Leww